Une actrice aux multiples talents

Juliette Binoche a marqué le cinéma français et international par son talent et sa polyvalence. Au cours de sa carrière, elle a travaillé avec de nombreux réalisateurs de renom, tels que Michael Haneke, David Cronenberg et Olivier Assayas.

Elle a foulé les marches de Cannes pour la première fois en 1985, et y a remporté le Prix d’interprétation féminine en 2010 pour son rôle dans Copie conforme d’Abbas Kiarostami. Elle est également la seule actrice à avoir remporté le prix de la meilleure actrice dans les trois principaux festivals de cinéma européens : Cannes, Venise et Berlin.

Un choix qui s’inscrit dans la continuité

La nomination de Juliette Binoche en tant que présidente du jury s’inscrit dans la continuité de l’édition précédente, où Greta Gerwig, réalisatrice américaine, avait occupé ce rôle. C’est seulement la deuxième fois dans l’histoire du festival qu’une femme succède à une autre femme à ce poste.

Cette décision souligne l’importance de la présence féminine dans le cinéma et la volonté du Festival de Cannes de mettre en avant les talents féminins. Juliette Binoche apporte avec elle une expérience riche et variée, ainsi qu’une sensibilité artistique reconnue.

Un rôle de prestige et de responsabilité

En tant que présidente du jury, Juliette Binoche aura la lourde tâche de départager les films en compétition et de décerner la Palme d’Or, la récompense suprême du festival. Elle sera entourée d’un jury dont la composition n’a pas encore été dévoilée.

Elle a exprimé son impatience de partager ces moments avec les autres membres du jury et le public, tout en soulignant le privilège, la responsabilité et l’humilité que représente ce rôle. Son expérience et son regard éclairé seront précieux pour guider les choix du jury.

Un festival très attendu

La 78e édition du Festival de Cannes se déroulera du 13 au 24 mai 2025. Les cinéastes ont jusqu’au 14 mars 2025 pour soumettre leurs films à la sélection officielle. La sélection officielle sera annoncée courant avril, lors d’une conférence de presse.

Cet événement majeur du cinéma mondial promet d’être riche en découvertes et en émotions, sous la présidence de Juliette Binoche. Les cinéphiles du monde entier attendent avec impatience de découvrir les films qui marqueront cette édition.

Cannes, un lieu de naissance artistique pour Binoche

Pour Juliette Binoche, Cannes occupe une place particulière dans son cœur et sa carrière. C’est là qu’elle a fait ses premiers pas en 1985 avec le film Rendez-vous d’André Téchiné. Elle considère Cannes comme le lieu de sa « naissance » artistique.

Quarante ans plus tard, elle revient dans ce lieu symbolique en tant que présidente du jury, un honneur qu’elle aborde avec émotion et reconnaissance. Son parcours exceptionnel et son lien fort avec le festival font d’elle un choix idéal pour incarner ce rôle prestigieux.

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Un investissement stratégique

L’augmentation des investissements de Disney dans le cinéma français témoigne d’une volonté claire de s’impliquer davantage dans la production locale. En injectant 55 millions d’euros par an, Disney vise non seulement à renforcer sa position sur le marché français, mais aussi à produire des films qui résonnent avec le public local. Cette stratégie pourrait permettre à Disney de diversifier son offre et de s’aligner sur les attentes des spectateurs français, tout en soutenant l’industrie cinématographique nationale.

La fin du partenariat avec canal +

La rupture du partenariat entre Disney et Canal+ marque un tournant significatif pour la diffusion des contenus Disney en France. À partir de janvier 2025, les abonnés de Canal+ n’auront plus accès aux blockbusters de Disney, ce qui pourrait changer la dynamique du marché. Cette séparation incite Disney à se concentrer sur sa plateforme de streaming Disney+, où il souhaite diffuser ses films plus rapidement après leur sortie en salles. Cela pourrait également stimuler une concurrence accrue entre les plateformes, poussant ainsi l’industrie à s’adapter aux nouvelles attentes des consommateurs.

Une réponse aux défis du cinéma français

Le cinéma français est actuellement confronté à plusieurs défis, notamment la baisse des fréquentations en salles et l’essor des plateformes de streaming. En augmentant ses investissements, Disney pourrait jouer un rôle clé dans la revitalisation du secteur. En produisant des films qui attirent un large public et en favorisant une diffusion rapide sur sa plateforme, Disney pourrait inciter davantage de spectateurs à retourner dans les salles obscures. De plus, cette stratégie pourrait encourager d’autres acteurs du secteur à investir dans la production locale.

L’importance de la chronologie des médias

La chronologie des médias en France régule le temps d’attente entre la sortie d’un film en salle et sa disponibilité sur les plateformes de streaming. Actuellement, ce délai est fixé à 17 mois, mais des discussions sont en cours pour le réduire. Si Disney parvient à obtenir une position plus favorable dans ces négociations, cela pourrait lui permettre de diffuser ses films plus rapidement sur Disney+, renforçant ainsi son attrait pour les abonnés. Une telle évolution serait bénéfique non seulement pour Disney, mais aussi pour l’ensemble du secteur cinématographique français.

Un avenir prometteur ?

Disney a le potentiel d’apporter une contribution significative au cinéma français grâce à ses investissements accrus et à sa volonté d’adapter son offre aux spécificités du marché local. Bien que des défis subsistent, notamment en matière de concurrence et de réglementation, l’engagement de Disney pourrait revitaliser l’industrie cinématographique française et encourager une nouvelle génération de films qui séduisent le public. L’avenir du cinéma français pourrait bien dépendre de cette alliance stratégique avec un acteur aussi influent que Disney.

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9 mois ferme (2013)

Dans cette comédie réalisée par Albert Dupontel, Sandrine Kiberlain incarne Ariane Felder, une juge d’instruction célibataire dont la vie bascule lorsqu’elle découvre qu’elle est enceinte d’un criminel. Ce film, qui mélange humour et situations rocambolesques, met en lumière les défis de la maternité inattendue tout en offrant des moments de pure comédie. La performance de Kiberlain est à la fois touchante et hilarante, faisant de ce film un incontournable pour ceux qui aiment les comédies françaises.

Polisse (2011)

Réalisé par Maïwenn, Polisse plonge le spectateur dans le quotidien d’une brigade de protection des mineurs à Paris. Sandrine Kiberlain y joue le rôle de Mme de la Faublaise, une femme confrontée aux réalités du travail policier. Ce film puissant aborde des thèmes difficiles tels que la violence domestique et l’exploitation des enfants, tout en mettant en avant le travail acharné des policiers. La performance de Kiberlain, ainsi que celle du reste du casting, est saluée par la critique et contribue à faire de Polisse un film marquant du cinéma français.

Un héros très discret (1996)

Dans ce film réalisé par Jacques Audiard, Sandrine Kiberlain incarne Yvette, un personnage clé dans l’histoire d’un homme ordinaire qui se fait passer pour un héros pendant la Seconde Guerre mondiale. Ce drame mêle habilement humour et réflexion sur l’identité et le mensonge. La prestation de Kiberlain apporte une touche d’émotion et d’authenticité à ce récit captivant qui questionne les notions de bravoure et de vérité.

Elle l’adore (2014)

Dans cette comédie dramatique réalisée par Jeanne Herry, Sandrine Kiberlain joue Muriel Bayen, une fan obsessionnelle d’une star du cinéma. Le film explore les limites entre admiration et obsession, tout en offrant une critique sociale sur la célébrité. La performance nuancée de Kiberlain permet au public de ressentir à la fois l’humour et la tragédie de son personnage, rendant ce film à la fois divertissant et poignant.

Mademoiselle Chambon (2009)

Adapté du roman d’Éric Holder, Mademoiselle Chambon raconte l’histoire d’une idylle entre un maçon (interprété par Vincent Lindon) et l’institutrice de son fils, incarnée par Sandrine Kiberlain. Ce drame romantique explore les thèmes du désir et des choix personnels dans un cadre délicat. La chimie entre les deux acteurs est palpable, et la performance subtile de Kiberlain ajoute une profondeur émotionnelle au récit.

Un autre monde (2020)

Dans ce drame contemporain réalisé par Stéphane Brizé, Sandrine Kiberlain joue le rôle d’Anne Lemesle, une femme confrontée aux conséquences des choix professionnels de son mari sur leur vie familiale. Ce film aborde les tensions entre vie personnelle et carrière dans un contexte économique difficile. La performance authentique de Kiberlain permet au public de s’identifier aux luttes émotionnelles du personnage, rendant ce film particulièrement touchant.

Chronique d’une liaison passagère (2022)

Ce film réalisé par Emmanuel Mouret met en scène Sandrine Kiberlain dans le rôle de Charlotte, une femme engagée dans une liaison compliquée. Avec son mélange d’humour et d’émotion, le film explore les complexités des relations modernes et les dilemmes moraux auxquels nous sommes confrontés. La prestation de Kiberlain est délicate et nuancée, montrant une fois encore sa capacité à aborder des thèmes profonds avec légèreté.

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L’histoire nous entraîne dans la vie d’Aymeric, un homme qui élève seul Jim, son fils né d’une relation avec Florence. Leur quotidien paisible est bouleversé par le retour inattendu de Christophe, le père biologique de Jim. Ce retour va mettre à l’épreuve les liens qui unissent ces trois personnages et les obliger à questionner leur identité et leur place au sein de la famille.

Un scénario classique revisité avec finesse

Le scénario de « Le Roman de Jim » s’inscrit dans une tradition cinématographique bien établie : celle du mélodrame familial. Pourtant, les Frères Larrieu parviennent à insuffler une nouvelle vie à ce genre en évitant les clichés et en privilégiant une approche plus nuancée et réaliste. Les personnages sont complexes et attachants, chacun portant en lui ses propres blessures et ses propres désirs.

Les dialogues sont naturels et les situations, bien que parfois prévisibles, sont toujours traitées avec justesse. Les Larrieu ont un don pour saisir les nuances des émotions et pour les transmettre au spectateur. On ressent ainsi toute la douleur d’Aymeric, tiraillé entre son amour pour Jim et sa peur de le perdre, tout comme on comprend les doutes et les regrets de Christophe.

Une mise en scène sobre et élégante

La mise en scène des Frères Larrieu est, comme à leur habitude, sobre et élégante. Les plans sont soignés, la photographie est magnifique et l’atmosphère est intimiste. Le film se déroule essentiellement dans un cadre familial, créant une atmosphère propice à l’introspection. Les paysages du Jura, où se déroule l’action, sont filmés avec une grande sensibilité, soulignant ainsi l’attachement des personnages à leurs racines.

Un casting à la hauteur

Le casting de « Le Roman de Jim » est parfaitement choisi. Karim Leklou, dans le rôle d’Aymeric, livre une performance nuancée et touchante. Il incarne à la perfection ce père aimant et protecteur, tiraillé par ses doutes. Les autres acteurs, notamment celui qui interprète Jim, sont également très convaincants.

Une réflexion sur la famille et l’identité

Au-delà de l’intrigue, « Le Roman de Jim » est une réflexion profonde sur la famille, l’identité et la paternité. Qu’est-ce qui fait un père ? Comment gérer les liens du sang et ceux du cœur ? Le film ne donne pas de réponses toutes faites, mais il invite chacun à se poser ces questions.

« Le Roman de Jim » est un film touchant et intelligent qui nous parle de l’amour, de la famille et des choix de vie. Les Frères Larrieu nous offrent une fois de plus une œuvre cinématographique de qualité, à la fois intimiste et universelle. Si vous êtes à la recherche d’un film qui vous émeuve et vous donne à réfléchir, « Le Roman de Jim » est fait pour vous.

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Alors, faut-il aller voir « Gloria ! » ? La réponse est unanime : oui ! Voici quelques raisons qui vous convaincront de ne pas manquer ce petit bijou cinématographique.

Un voyage dans le temps envoûtant

« Gloria ! » nous transporte à Venise en 1772. La caméra de Margherita Vicario nous immerge dans les décors somptueux d’un conservatoire pour jeunes filles issues de l’aristocratie.

Voici la bande-annonce de ce film :

Loin des clichés habituels sur l’époque, la réalisatrice nous restitue une atmosphère vibrante et authentique. Les costumes, les coiffures et les décors sont soignés dans les moindres détails, nous offrant une véritable immersion dans la vie quotidienne de ces jeunes femmes.

Une ode à la musique et au chant

La musique est au cœur de « Gloria ! ». Les jeunes pensionnaires du conservatoire suivent une formation rigoureuse pour devenir des virtuoses du chant et du piano.

Margherita Vicario filme la musique avec passion et sensibilité. Les scènes de concerts et de répétitions sont des moments de pure magie, où la beauté des voix et des instruments nous transporte.

Un hymne à la sororité et à l’émancipation féminine

Derrière les apparences d’un film d’époque se cache une histoire résolument moderne. « Gloria ! » met en scène des jeunes femmes qui aspirent à briser les carcans de la société et à s’émanciper.

L’amitié et la solidarité qui lient les protagonistes sont des valeurs essentielles du film. Elles se soutiennent mutuellement dans les moments difficiles et se battent pour réaliser leurs rêves.

Un casting impeccable

« Gloria ! » est porté par un casting jeune et talentueux. Les actrices incarnent avec brio leurs personnages, insufflant à chacun d’eux une réelle profondeur et complexité.

On notera notamment la performance remarquable de Galatea Bellugi dans le rôle de Gloria, une jeune fille au talent exceptionnel et à l’esprit rebelle.

Un message universel et inspirant

« Gloria ! » est un film qui touche à des thèmes universels tels que la passion, l’amitié, le courage et la liberté. Il nous invite à croire en nos rêves et à nous battre pour les réaliser, quelles que soient les obstacles.

Un message d’espoir et d’inspiration qui résonnera particulièrement auprès des jeunes générations.

Alors, n’attendez plus et allez voir « Gloria ! ». Vous ne serez pas déçus !

Ce film est une véritable pépite cinématographique qui vous fera voyager dans le temps, vous fera vibrer au son de la musique et vous fera réfléchir sur la place des femmes dans la société.

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Un parcours atypique

Justine Triet n’a pas suivi le chemin classique des écoles de cinéma. Diplômée des Beaux-Arts de Paris, elle se lance dans la réalisation de documentaires et de courts-métrages, où elle explore les thèmes de la famille, de l’identité et de la société. Son premier long-métrage, « La bataille de Solférino », sorti en 2013, mêle fiction et réalité en plongeant ses personnages dans le contexte de l’élection présidentielle de 2012. Le film est remarqué par la critique et le public, qui saluent son humour et sa fraîcheur.

Voici une vidéo relatant cette nouvelle :

Une comédie dramatique qui fait mouche

En 2016, Justine Triet change de registre avec « Victoria », une comédie dramatique qui suit les tribulations d’une avocate débordée par sa vie personnelle et professionnelle. Le film est porté par l’actrice Virginie Efira, qui devient la muse de la réalisatrice. Le duo se retrouve en 2019 pour « Sibyl », un drame psychologique qui met en scène une romancière qui s’inspire de la vie d’une actrice enceinte pour écrire son livre. Les deux films confirment le talent de Justine Triet pour croquer des portraits de femmes complexes et attachantes.

Un thriller qui fait sensation

En 2023, Justine Triet surprend tout le monde avec « Anatomie d’une chute », son quatrième long-métrage. Le film raconte l’histoire de Louise (Sandra Hüller), une journaliste allemande qui enquête sur la disparition mystérieuse de Paul (Romain Duris), un homme politique français accusé de corruption. Le film est un thriller haletant, qui mélange suspense, romance et critique sociale. Le film fait sensation au Festival de Cannes, où il remporte la Palme d’or, puis aux César, où il rafle six trophées, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur.

Une reconnaissance internationale

Le succès d' »Anatomie d’une chute » dépasse les frontières françaises. Le film est nommé cinq fois aux Oscars 2024, dans les catégories prestigieuses du meilleur film, du meilleur réalisateur, de la meilleure actrice, du meilleur scénario original et du meilleur montage. Justine Triet et Arthur Harari décrochent l’Oscar du meilleur scénario original, face à des concurrents de taille comme Christopher Nolan ou Wes Anderson. La réalisatrice française reçoit également les félicitations de Steven Spielberg, qui lui propose d’écrire un scénario pour lui. Justine Triet est désormais une star du cinéma mondial, qui n’a pas fini de nous surprendre avec ses films audacieux et originaux.

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Un huis clos étouffant et symbolique

L’intrigue se déroule principalement dans un chalet isolé, créant un huis clos étouffant qui accentue la tension et le malaise. La neige et le froid qui entourent le chalet symbolisent l’enfermement psychologique des personnages et le poids du passé qui les rattrape.

Voici la bande-annonce de ce film :

Cet huis clos renforce également l’impression d’isolement et de solitude des personnages, qui se retrouvent face à eux-mêmes et à leurs démons. La neige, omniprésente, devient un élément symbolique de la mort et du silence, accentuant le sentiment d’oppression qui règne dans le film.

Des personnages complexes et ambigus aux motivations troubles

Le film nous confronte à des personnages complexes et ambigus, dont les motivations et les actions ne sont jamais clairement définies. Sandra, l’auteure à succès, est tiraillée entre sa culpabilité et son désir de vérité. L’avocate, quant à elle, est déterminée à défendre son client, quitte à manipuler les faits.

Le spectateur est amené à se questionner sur les intentions réelles des personnages et à décrypter leurs mensonges et manipulations. Cette complexité psychologique rend l’intrigue encore plus captivante et permet au film d’explorer des thèmes profonds tels que la culpabilité, la vengeance et le pardon.

Un jeu de piste captivant et un suspense haletant

Le récit se construit comme un puzzle, avec des flashbacks et des récits contradictoires qui brouillent les pistes et maintiennent le suspense jusqu’au bout. Le spectateur est amené à questionner la véracité des témoignages et à reconstituire la vérité par lui-même.

Le film joue avec les codes du thriller et du film noir, distillant une tension palpable à travers chaque scène. La temporalité non linéaire et les nombreux rebondissements contribuent à maintenir un rythme effréné et à captiver l’attention du spectateur.

Une mise en scène virtuose au service de l’intrigue

Justine Triet signe une mise en scène précise et élégante, jouant avec les codes du thriller et du film noir. La lumière, la musique et le montage contribuent à créer une atmosphère oppressante et envoûtante.

La caméra se focalise sur les visages des personnages, captant leurs émotions les plus infimes et soulignant l’ambiguïté qui les entoure. La lumière, souvent tamisée ou froide, accentue le sentiment de malaise et de tension. La musique, quant à elle, est discrète mais efficace, contribuant à créer une atmosphère inquiétante.

Un film qui questionne et ne laisse pas de marbre

« Anatomie d’une chute » ne se contente pas de divertir. Il nous invite à réfléchir sur la notion de vérité, sur la fragilité des relations humaines et sur les dangers de la manipulation.

Le film soulève des questions morales et psychologiques complexes, ne laissant au spectateur aucune certitude absolue. La fin ouverte du film nous incite à poursuivre notre réflexion et à formuler nos propres conclusions.

« Anatomie d’une chute » est un film intense et intelligent qui ne se laisse pas facilement cerner. Il nous offre une plongée dans les profondeurs de l’âme humaine et nous laisse avec une multitude de questions en suspens. Un thriller psychologique à découvrir absolument pour les amateurs de cinéma exigeant.

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De Verdun à Vichy

Pétain est né en 1856 dans une famille paysanne du nord de la France. Il s’engage dans l’armée en 1876 et gravit les échelons jusqu’à devenir général en 1914. Pendant la Première Guerre mondiale, il se distingue par sa capacité à organiser la défense et à préserver la vie de ses soldats. Il devient le héros de Verdun en 1916, où il résiste à l’offensive allemande pendant des mois. Après la guerre, il est nommé maréchal de France et reçoit les honneurs de la nation.

Voici une vidéo relatant cette histoire :

En 1939, alors qu’il a 83 ans, il est rappelé au service actif comme vice-président du Conseil supérieur de la guerre. Il assiste impuissant à la débâcle de mai-juin 1940, qui voit l’armée française subir une défaite écrasante face aux nazis. Le 16 juin, il devient chef du gouvernement et demande l’armistice. Le 22 juin, il signe avec l’Allemagne un accord qui divise la France en deux zones : une zone occupée au nord et une zone libre au sud, dont la capitale est Vichy. Pétain s’installe à Vichy et se proclame chef de l’État français. Il annonce sa volonté d’entrer dans la voie de la collaboration avec Hitler, qu’il rencontre le 24 octobre 1940 à Montoire.

La politique de collaboration

La collaboration entre Vichy et Berlin se traduit par une série de mesures qui visent à aligner la France sur l’idéologie nazie et à participer à l’effort de guerre allemand. Pétain instaure un régime autoritaire qui abolit la République et ses principes démocratiques. Il promeut une « Révolution nationale » fondée sur les valeurs de la famille, du travail, de la patrie et de l’ordre. Il réprime les opposants politiques, les syndicats, les francs-maçons et les communistes. Il collabore avec la Gestapo pour arrêter et livrer aux Allemands les résistants et les agents alliés.

Mais c’est surtout sur la question juive que la collaboration atteint son paroxysme. Dès octobre 1940, Vichy promulgue le premier statut des Juifs, qui exclut les citoyens juifs de nombreuses professions et fonctions publiques. En juin 1941, le second statut des Juifs renforce les discriminations et impose le port de l’étoile jaune. En juillet 1942, la police française participe à la rafle du Vel d’Hiv, qui conduit à l’internement et à la déportation de plus de 13 000 Juifs vers les camps d’extermination nazis.

Le procès du maréchal

À partir de 1942, le régime de Vichy perd progressivement le contrôle du territoire français face à l’avancée des Alliés et des forces de la Résistance intérieure. En août 1944, Paris est libéré par les troupes françaises et américaines. Pétain et son gouvernement sont emmenés de force par les Allemands en Allemagne, où ils restent jusqu’en avril 1945. Pétain se rend alors aux autorités suisses, qui le livrent aux Français.

Le procès de Pétain s’ouvre le 23 juillet 1945 à Paris, devant la Haute Cour de justice. Il est accusé de haute trahison et d’intelligence avec l’ennemi. Il plaide non coupable et se présente comme le sauveur de la France, qui a cherché à atténuer les souffrances du peuple français sous l’occupation. Il affirme avoir protégé les Juifs français en sacrifiant les Juifs étrangers. Il invoque son âge avancé (il a 89 ans) et son passé glorieux pour réclamer la clémence.

Le procès dure trois semaines et suscite un vif intérêt médiatique et populaire. Les témoins se succèdent à la barre pour dénoncer ou défendre le maréchal. Parmi eux, on trouve des personnalités politiques comme Léon Blum, Paul Reynaud ou Pierre Laval, des écrivains comme Louis-Ferdinand Céline ou Robert Brasillach, des militaires comme Charles de Gaulle ou Henri Giraud, des résistants comme Jean Moulin ou Pierre Brossolette. Le verdict tombe le 15 août : Pétain est reconnu coupable à l’unanimité et condamné à mort.

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Adapté de Mme ‘Arris Goes to Paris de Paul Gallico en 1958, le film met également en vedette Jason Isaacs (Les films Harry Potter, La Mort de Staline), la superstar française Isabelle Huppert (Elle), Lambert Wilson (série de films The Matrix) et un habitué d’Eastenders. Ellen Thomas.

Nous sommes à Londres dans les années 1950 et Ada Harris (Manville), une femme de ménage veuve de guerre, devient de plus en plus obsédée par la robe haute couture Christian Dior d’une cliente.

Une histoire qui capte toute l’attention

Après avoir soudainement reçu une pension de veuve de guerre et gagné de l’argent sur les piscines, elle décide de se rendre à Paris pour acheter la robe. Par chance, à son arrivée à la Maison Dior, Ada tombe sur une exposition exclusive du 10e anniversaire de l’élite parisienne. Rejetée d’abord par la snob Claudine (Hupert), directrice de Dior, Ada est invitée par le charmant marquis de Chassagne (Wilson) à assister au défilé en tant qu’invitée.

Voici une vidéo en anglais présentant la bande-annonce de ce film :

Elle se lie d’amitié avec Andre (l’ancien d’Emily à Paris, Lucas Bravo), le comptable de Dior, et Natasha (Alba Baptista), le mannequin le plus emblématique de la maison de couture, Ada reste encore quelques jours à Paris pendant que sa robe est fabriquée sur commande. Là, elle apprend que tout ne va pas bien chez Dior et que derrière la façade de la richesse et du glamour, ce dont la maison de couture a vraiment besoin, c’est de plus de gens comme elle.

Un roman adapté à l’écran

Bien que ce ne soit pas la première fois que le roman de Gallico est adapté à l’écran, il y a eu pas moins de trois remakes depuis 1958, le film de Fabian semble être un hommage approprié à ce personnage très aimé. Mélangeant réalisme magique et nostalgie d’après-guerre, lui et l’écrivain Carroll Cartwright livrent un récit irrésistiblement espiègle, drôle et parfois poignant de ce vieux favori.

Manville, bien sûr, est généralement excellente en tant qu’Ada Harris, tout comme Isaacs en tant qu’Archie, son amour, un modeste comptable irlandais.

On se demande cependant pourquoi le titre du film a en quelque sorte acquis un H dans le processus alors que « Arris allait parfaitement bien ». Les créateurs ont peut-être pensé à tort que le public international n’était peut-être pas tout à fait au fait des connotations cockney attachées au personnage d’Ada, mais le titre original de Gallico aurait eu plus d’impact.

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Anaïs (Demoustier) est de son aveu, un gâchis complet. Après avoir chassé son compagnon de vie Raoul (Montez) de l’élégant appartement parisien qu’ils partageaient autrefois, la jeune femme est non seulement incapable de payer son loyer, mais ne sait pas non plus si elle est toujours amoureuse de Raul, ou si elle est prête pour une nouvelle aventure.

Un mélange d’émotions

Pour ne rien arranger, Anaïs apprend que le cancer de sa mère est de retour et qu’elle devra peut-être recommencer la chimio. Après une rencontre fortuite à la fête d’un ami, Anaïs se lance dans une liaison éclair avec le célèbre éditeur littéraire Daniel (Podalydès), qui a non seulement deux fois son âge, mais qui se trouve également être en relation engagée avec la célèbre écrivaine Emilie Ducret (Bruni Tedeschi).

Voici la bande-annonce du film en anglais :

La jeune femme se retrouve bientôt de plus en plus intriguée par son rival amoureux, une obsession qui culmine de manière inattendue.

Une comédie française assez surprenante

Charline Bourgeois-Tacquet livre une comédie française agréable, mais artificielle qui ressemble souvent à une parodie du genre. Contrairement à Jeune Femme de Léonor Serraille, Anaïs n’a ni le charme ni les idées mûrement réfléchies du film qu’elle cherche si désespérément à imiter. Au lieu de cela, on nous donne une série d’idées à moitié cuites qui flottent sans être complètement développées. Le comportement irrésistible et le mépris de Demoustier pour ceux qui l’entourent peuvent être aussi insupportables qu’attachants, mais le film n’a pas l’impression d’avoir quelque chose de nouveau à dire, ni d’apporter un dénouement acceptable.

Malheureusement, Anais In Love ressemble souvent à l’idée d’un passionné de cinéma français non francophone de ce à quoi devrait ressembler et sonner une bonne comédie romantique française. Cette recherche inauthentique d’effet est précisément ce qui ne va pas. Ce film est un vrai mélange de tragédie et de rire. Et pourtant, il a été bien réalisé pour capter toute l’attention des téléspectateurs jusqu’à la fin.

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