Le pape François et le cinéma : une affinité croissante

Le pape François a démontré un intérêt marqué pour le cinéma, reconnaissant son potentiel à susciter la réflexion et à promouvoir des valeurs humaines. Il a rencontré à plusieurs reprises des réalisateurs de renom, tels que Martin Scorsese, avec qui il partage une passion commune pour l’œuvre de Dostoïevski. Ces rencontres témoignent de la volonté du pape d’établir un dialogue avec le monde de l’art et de la culture, en reconnaissant leur rôle essentiel dans la société contemporaine.

Le pape François a également participé à des projets cinématographiques, notamment le documentaire « Conversation avec le Pape », où il dialogue avec dix jeunes sur des sujets variés tels que le féminisme, les droits LGBTQIA+ et la crise migratoire. Ce film témoigne de son ouverture d’esprit et de son désir d’écouter les préoccupations des jeunes générations.

« Les deux papes » : un conte inspiré de faits réels

Le film « Les Deux Papes » offre une perspective romancée sur la relation entre le pape Benoît XVI et le futur pape François. Bien que s’inspirant de faits réels, le film prend des libertés avec la réalité pour créer un récit captivant sur la confrontation et l’évolution des deux figures papales. Les dialogues grandioses, portés par les performances exceptionnelles d’Anthony Hopkins et de Jonathan Pryce, constituent l’élément central du film.

Le film explore les différences de mentalité et d’approche entre les deux papes, tout en soulignant leur capacité à évoluer et à se rapprocher. « Les Deux Papes » est un conte beau et plein d’esprit qui invite à la réflexion sur la tradition, le changement et le dialogue.

Martin Scorsese et sa vision de Jésus

Le réalisateur Martin Scorsese travaille actuellement sur un film consacré à Jésus, un projet qui a été inspiré par l’appel du pape François au monde de l’art. Scorsese souhaite réaliser un film de 80 minutes se déroulant à l’époque contemporaine, qui se concentrera sur la prédication du Christ. Ce projet ambitieux témoigne de l’influence du pape sur les artistes et de son encouragement à explorer des thèmes spirituels et religieux à travers le cinéma.

Scorsese a déjà exploré des thèmes liés à la foi et à la spiritualité dans des films tels que « Silence », qui traite du martyre des missionnaires au Japon. Son dialogue avec le pape François a enrichi sa réflexion sur ces sujets et l’a encouragé à poursuivre son exploration cinématographique de la foi.

Communion, créativité et vision : le pouvoir du cinéma selon le pape François

Le pape François a résumé le pouvoir du cinéma en trois mots clés : communion, créativité et vision. Le cinéma favorise la communion en rassemblant les spectateurs autour d’une expérience commune, en leur permettant de partager des émotions et des idées. La créativité est au cœur du processus cinématographique, permettant aux artistes d’exprimer leur vision du monde et d’explorer de nouvelles formes d’expression.

La vision, enfin, est essentielle pour le cinéma, car elle permet aux réalisateurs de transmettre des messages significatifs et d’inspirer le public. Le pape François reconnaît le potentiel du cinéma à élargir notre horizon, à nous faire réfléchir sur des questions importantes et à promouvoir un monde plus juste et plus fraternel.

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Une enfance sans religion

R B Kitaj est né en 1932 dans l’Ohio, d’une mère juive séculière et d’un père biologique qu’il n’a jamais connu. Il a été adopté par son beau-père, un chimiste viennois réfugié, qui lui a donné son nom de famille. Il a grandi sans pratique religieuse, mais avec une conscience de son appartenance au peuple juif.

Voici une vidéo en anglais présentant cet artiste :

Il a commencé sa carrière comme marin marchand, puis il s’est installé à Londres dans les années 1960, où il a fréquenté la Royal Academy of Arts et s’est lié d’amitié avec des artistes comme David Hockney et Francis Bacon. Il a également rencontré des peintres juifs comme Lucian Freud, Frank Auerbach et Leon Kossoff, avec lesquels il partageait un sentiment d’étrangeté et de marginalité.

Un mariage à Bevis Marks

En 1983, Kitaj a épousé Sandra Fisher, sa deuxième femme, à la synagogue Bevis Marks de Londres, la plus ancienne du Royaume-Uni. Il a immortalisé l’événement dans une toile intitulée The Wedding, où il a peint la houppa et les invités célèbres portant des kippot. Ce tableau est l’un des plus appréciés du Tate Modern.

Kitaj aimait écrire des commentaires sur ses peintures, dans lesquels il exprimait ses réflexions sur l’art, la politique et le judaïsme. Il a publié en 1989 son « Premier manifeste diasporiste », où il affirmait son attachement à la condition juive moderne et à la tradition talmudique d’interprétation.

Une renaissance à Los Angeles

Après la mort soudaine de Sandra en 1994, Kitaj a quitté Londres pour Los Angeles, où il a passé les dix dernières années de sa vie. Il s’est alors rapproché du judaïsme, en participant aux rituels du shabbat, aux séders de Pessa’h et en étudiant la kabbale. Il a aussi revisité son œuvre à la lumière de sa foi retrouvée.

Il a peint plusieurs tableaux sur des sujets juifs, comme le Baal Shem Tov, le fondateur du hassidisme, ou Hannah Arendt, la journaliste célèbre pour son reportage sur le procès Eichmann. Mais surtout, il a représenté Sandra comme la Shechinah, l’incarnation féminine de Dieu. Il voyait en elle sa muse et sa protectrice.

Kitaj s’est aussi représenté lui-même comme un vieil homme barbu, à l’image des sages juifs. Il est mort en 2007, à l’âge de 74 ans. Il laisse derrière lui une œuvre originale et provocatrice, qui témoigne de sa quête spirituelle et artistique.

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Un scénario original et audacieux

The Marvels n’est pas une suite directe de Captain Marvel, sorti en 2019, mais plutôt une extension de l’univers cinématographique Marvel qui fait suite aux événements des séries Disney+ WandaVision et Miss Marvel. Le film explore les conséquences de la victoire de Carol Danvers contre les Kree, une race extraterrestre belliqueuse, et les effets inattendus qu’elle a sur elle-même et sur ses alliées. Le film nous plonge ainsi dans un vortex spatio-temporel où les trois héroïnes vont découvrir des secrets sur leurs origines, leurs pouvoirs et leurs liens.

Voici les critiques en anglais de ce film :

Le scénario du film est original et audacieux, car il ne se contente pas de reprendre les codes du genre super-héroïque, mais les réinvente avec humour et inventivité. Le film joue avec les paradoxes temporels, les références culturelles et les clins d’œil aux autres films du MCU. Il propose également une réflexion sur la responsabilité, l’identité et la diversité, à travers les personnages de Carol, Kamala et Monica, qui représentent chacune une facette différente de la féminité et de l’héroïsme.

Un casting de choc et de charme

Le film repose en grande partie sur le charisme et la complicité du trio principal, qui forme une équipe improbable mais attachante. Brie Larson reprend son rôle de Captain Marvel avec brio, en lui apportant plus de nuance et de vulnérabilité. Elle montre que son personnage n’est pas seulement la super-héroïne la plus puissante du MCU, mais aussi une femme qui doute, qui souffre et qui cherche sa place dans le monde. Iman Vellani est la révélation du film, en incarnant avec fraîcheur et malice Kamala Khan, une adolescente fan de Captain Marvel qui découvre qu’elle a des pouvoirs polymorphes. Elle apporte une touche d’humour et de légèreté au film, tout en abordant des thèmes comme l’acceptation de soi, la famille et la religion. Teyonah Parris complète le trio avec élégance et détermination, en interprétant Monica Rambeau, la fille de Maria Rambeau, l’amie de Carol Danvers. Elle reprend son rôle qu’elle avait tenu dans la série WandaVision, où elle avait été exposée à des radiations qui lui avaient donné des pouvoirs liés à l’énergie. Elle se fait appeler Photon et devient la protégée de Captain Marvel.

Le casting du film compte également d’autres acteurs talentueux, comme Samuel L. Jackson, qui reprend son rôle emblématique de Nick Fury, le directeur du S.H.I.E.L.D., Zenobia Shroff, qui joue la mère de Kamala Khan, ou encore Gemma Chan, qui incarne Minn-Erva, une guerrière Kree qui a un passé commun avec Carol Danvers.

Une réalisation soignée et spectaculaire

The Marvels est le premier film du MCU réalisé par une femme noire : Nia DaCosta. La cinéaste a su imprimer sa patte au film, en lui donnant un style visuel soigné et spectaculaire. Le film regorge de scènes d’action époustouflantes, qui mettent en valeur les pouvoirs des trois héroïnes. On retiendra notamment la séquence d’ouverture du film, où Carol Danvers affronte une armada de vaisseaux Kree dans l’espace, la scène où Kamala Khan utilise ses pouvoirs pour se transformer en différentes formes et tailles, ou encore la scène finale du film, où les trois héroïnes combinent leurs pouvoirs pour créer une explosion d’énergie qui sauve l’univers.

Le film bénéficie également d’une bande-son entraînante, qui mêle des morceaux pop-rock des années 90, en hommage à l’époque où Carol Danvers est devenue Captain Marvel, et des morceaux plus actuels, qui reflètent la personnalité de Kamala Khan. Le film se termine sur une chanson originale interprétée par Beyoncé, intitulée « The Marvels », qui célèbre le pouvoir des femmes.

The Marvels est un film déroutant mais hilarant, qui réinvente le genre super-héroïque avec humour et inventivité. Le film nous fait voyager dans l’espace et le temps, tout en nous faisant découvrir des personnages attachants et diversifiés. Le film est un véritable hommage aux femmes, qui sont les véritables stars du film. The Marvels est un film à ne pas manquer pour les fans du MCU, mais aussi pour tous ceux qui aiment les films d’action, de fantaisie et d’émotion.

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Miriam Schapiro : la pionnière du Pattern and Decoration

Miriam Schapiro (1923-2015) est une artiste américaine d’origine russe, qui a co-fondé le mouvement Pattern and Decoration dans les années 1970. Ce mouvement visait à valoriser l’ornement et les techniques artisanales traditionnellement associées aux femmes, comme la couture, le tricot ou le patchwork. Schapiro a inventé le terme de « femmages » pour désigner ses collages, qui associent des morceaux de tissus, de rubans, de dentelles ou de sequins à des fonds peints. Ses œuvres sont colorées, joyeuses et pleines de vie. Elles célèbrent l’amour, la sexualité et la créativité féminine. L’une de ses œuvres les plus emblématiques est Madness of Love, qui représente un couple enlacé sur un lit scintillant, entouré de rideaux décoratifs.

Voici une vidéo relatant l’influence des artistes juives dans l’art :

Anna Perach : la sculpteure de laine

Anna Perach (née en 1981) est une artiste israélienne qui vit à Londres. Elle utilise la laine comme matériau principal pour réaliser des sculptures à taille humaine, qui représentent des personnages féminins issus de contes populaires ou de son imagination. Ses œuvres sont à la fois douces et inquiétantes, car elles jouent avec les contrastes entre le réel et le fantastique, le familier et l’étrange, le visible et l’invisible. L’une de ses œuvres les plus récentes est Daphne 2021, qui montre une mère allaitante, dont les gouttes de lait sont figurées par des perles. Cette œuvre évoque la transformation de la nymphe Daphné en laurier dans la mythologie grecque, mais aussi les liens entre la nature et la culture, entre le corps et l’esprit.

Une exposition qui interroge la notion de féminité

L’exposition The Jewish artists who weave magic versions of women n’est pas seulement une occasion de découvrir le travail de ces deux artistes juives exceptionnelles. C’est aussi une invitation à réfléchir sur la notion de féminité, qui est abordée sous différents angles par les œuvres présentées. Qu’est-ce qu’être une femme dans la société et dans l’art ? Quels sont les stéréotypes, les contraintes et les opportunités qui s’attachent à cette identité ? Comment les femmes peuvent-elles s’affirmer, se libérer et se réinventer à travers leurs créations ? Autant de questions qui sont soulevées par cette exposition, qui fait dialoguer des œuvres d’époques et de styles différents, mais qui ont toutes en commun une sensibilité et une originalité remarquables.

Une start-up qui révolutionne l’art textile

The Women’s Art Collection est une start-up fondée par Jo Baring, une spécialiste de l’art moderne britannique et contemporain. Son objectif est de promouvoir les artistes femmes qui utilisent le textile comme médium artistique, en organisant des expositions, en éditant des catalogues et en proposant des services de conseil et d’achat d’œuvres. La start-up possède une collection de plus de 100 œuvres, qui couvrent un large éventail de techniques, de thèmes et de périodes. Elle souhaite faire connaître au public la richesse et la diversité de l’art textile féminin, qui est souvent négligé ou sous-estimé par les institutions et le marché de l’art. L’exposition The Jewish artists who weave magic versions of women est la première manifestation de ce projet ambitieux et innovant, qui espère séduire les amateurs d’art et les collectionneurs.

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L’émission, intitulée Jewish Matchmaking, suit le processus traditionnel du shidduch, qui consiste à présenter des candidats potentiels en fonction de leur niveau de pratique religieuse, de leur volonté de fonder une famille et de leurs affinités personnelles. Mais cette méthode ancestrale peut-elle fonctionner dans le monde moderne ? Et quels sont les défis et les opportunités que rencontrent les Juifs britanniques dans leur quête de l’amour ?

Qui est Aleeza Ben Shalom ?

Aleeza Ben Shalom est une marieuse professionnelle qui vit en Israël avec son mari et ses cinq enfants. Elle a créé sa propre entreprise, Marriage Minded Mentor, qui propose des services de coaching, de mentorat et de mise en relation pour les célibataires juifs du monde entier. Elle se décrit comme une « entremetteuse passionnée » qui veut aider les gens à trouver leur âme sœur et à construire des relations saines et heureuses.

Voici une vidéo montrant la bande-annonce de cette émission en anglais :

Elle a déjà réussi à former plus de 200 couples qui se sont mariés. Elle est également l’auteure d’un livre intitulé Get Real Get Married, dans lequel elle partage ses conseils et ses astuces pour sortir du célibat.

Comment se déroule le shidduch ?

Le shidduch est un système de rencontres qui existe depuis des siècles dans les communautés juives orthodoxes. Il repose sur l’idée que le mariage est un engagement sacré et qu’il faut donc choisir son partenaire avec soin et discernement. Le shidduch implique généralement l’intervention d’un tiers, appelé shadchan (marieur ou marieuse), qui connaît bien les deux parties et qui peut évaluer leur compatibilité.

Le shadchan propose alors une rencontre entre les deux candidats, qui se voient généralement dans un lieu public et neutre, comme un café ou un parc. Si la rencontre se passe bien, ils peuvent décider de se revoir plusieurs fois avant de s’engager officiellement. Le shidduch vise à favoriser une connexion profonde entre les futurs époux, basée sur des valeurs communes, des objectifs de vie et une attirance mutuelle.

Quels sont les avantages du shidduch ?

Le shidduch présente plusieurs avantages par rapport aux modes de rencontres plus conventionnels. Tout d’abord, il permet d’éviter le stress et la confusion liés au choix d’un partenaire parmi une multitude d’options disponibles sur les applications ou les sites de rencontres. En effet, le shidduch repose sur la confiance envers le shadchan, qui a déjà fait une présélection en fonction des critères essentiels des deux parties.

Ensuite, le shidduch permet de gagner du temps et de l’énergie en se concentrant sur des rencontres sérieuses et potentiellement fructueuses, plutôt que sur des rendez-vous sans lendemain ou sans intérêt. Enfin, le shidduch favorise une approche respectueuse et honnête des relations amoureuses, en évitant les jeux de séduction, les faux-semblants ou les manipulations.

Quels sont les défis du shidduch ?

Le shidduch n’est pas sans difficultés ni inconvénients. Tout d’abord, il peut être difficile de trouver un shadchan compétent et fiable, qui soit à l’écoute des besoins et des attentes des célibataires et qui dispose d’un réseau suffisamment large pour proposer des candidats adaptés. Ensuite, le shidduch peut être perçu comme une méthode rigide et contraignante, qui limite la liberté et la spontanéité des rencontres amoureuses.

Certains célibataires peuvent se sentir frustrés ou oppressés par les règles et les normes du shidduch, qui peuvent entraver leur expression personnelle ou leur créativité. Enfin, le shidduch peut être source de pression sociale ou familiale, qui peut influencer le choix des candidats ou les pousser à se marier trop vite ou à contrecoeur.

Netflix peut-il révolutionner le shidduch ?

L’émission Jewish Matchmaking de Netflix propose une vision moderne et rafraîchissante du shidduch, qui s’adresse à un public diversifié et curieux. En effet, l’émission met en scène des célibataires juifs de différentes origines, de différents niveaux de pratique religieuse et de différents âges, qui cherchent l’amour avec l’aide d’Aleeza Ben Shalom. L’émission montre les joies et les peines, les succès et les échecs, les espoirs et les doutes des participants, qui se livrent avec sincérité et humour.

L’émission dévoile également les coulisses du travail d’Aleeza Ben Shalom, qui partage ses conseils avisés, ses anecdotes croustillantes et ses expressions cultes. L’émission offre ainsi une occasion unique de découvrir le shidduch sous un angle nouveau et divertissant, qui peut inspirer et émouvoir les téléspectateurs, qu’ils soient juifs ou non.

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De la délinquance à la gloire

George Foreman naît en 1949 à Houston, au Texas, dans une famille pauvre et désunie. Il grandit dans la violence et la criminalité, jusqu’à ce qu’il intègre un programme fédéral de formation professionnelle en Californie. C’est là qu’il découvre la boxe, sous la tutelle de Doc Broadus, interprété par Forest Whitaker.

Voici la bande-annonce de ce film en anglais :

Foreman révèle un talent et une puissance hors du commun, qui lui valent de remporter la médaille d’or aux Jeux olympiques de Mexico en 1968. Il devient professionnel et enchaîne les victoires, jusqu’à battre Joe Frazier en 1973 et devenir champion du monde des poids lourds.

De la chute à la rédemption

Mais la gloire de Foreman est de courte durée. En 1974, il affronte Muhammad Ali au Zaïre, dans le célèbre combat baptisé « Rumble in the Jungle ». Foreman est le favori, mais il est surpris par la tactique d’Ali, qui le laisse s’épuiser avant de le mettre KO au huitième round.

Foreman perd son titre et sa confiance. Il sombre dans la dépression et se retire de la boxe après une autre défaite en 1977. Il se convertit au christianisme et devient pasteur. Il fonde un centre pour les jeunes défavorisés, mais il perd une grande partie de sa fortune dans des investissements malheureux.

Du retour à la légende

Foreman décide alors de remonter sur le ring, à l’âge de 38 ans, pour renflouer ses finances et sauver son centre. Il est moqué par ses anciens rivaux, comme Ali, joué par Sullivan Jones, qui le trouve trop vieux et trop gros. Mais Foreman ne se décourage pas. Il retrouve sa forme et sa motivation, et défie les pronostics. En 1994, il réalise l’exploit de redevenir champion du monde des poids lourds à 45 ans, en battant Michael Moorer, de 19 ans son cadet. Il devient ainsi le plus vieux champion du monde de l’histoire de la boxe. Il met un terme définitif à sa carrière en 1997, après avoir vendu plus de 100 millions d’exemplaires de son fameux grill électrique.

« Big George Foreman » est un film qui rend hommage à un homme hors du commun, qui a su se relever de ses échecs et se réinventer. Le film n’évite pas les clichés ni les raccourcis, mais il offre un portrait sincère et touchant de Foreman, incarné avec charisme par Khris Davis. Le film sortira en salles le 28 avril 2023.

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Un scénario prévisible et sans originalité

Le film suit les péripéties de Jessica et Beth, deux sœurs qui se retrouvent après des années de séparation dans un appartement délabré à Los Angeles. Jessica est une mère célibataire qui élève tant bien que mal ses deux enfants, tandis que Beth est une avocate ambitieuse qui vient de quitter son mari infidèle. Les retrouvailles sont tendues, mais les choses vont empirer quand Jessica découvre dans le grenier un mystérieux livre relié en peau humaine : le Necronomicon. En le feuilletant, elle libère involontairement une force maléfique qui va posséder les habitants de l’immeuble et les transformer en créatures sanguinaires. Les deux sœurs vont alors devoir s’allier pour survivre et mettre fin à la malédiction.

Voici la bande-annonce de ce film :

Le scénario d’Evil Dead Rise est très proche de celui du premier film, à quelques détails près. On retrouve les mêmes éléments : le livre maudit, les possessions démoniaques, les mutilations gore, les répliques sarcastiques… Mais le changement de décor (un immeuble au lieu d’une cabane dans les bois) et de personnages (des femmes au lieu d’un homme) ne suffit pas à donner de la fraîcheur à l’histoire. Au contraire, le film souffre d’un manque d’originalité et de surprises. On devine facilement ce qui va se passer et on n’est jamais surpris par les rebondissements. Le film se contente de recycler les codes du genre sans les subvertir ni les renouveler.

Une réalisation efficace mais sans âme

Le réalisateur Lee Cronin fait preuve d’un certain savoir-faire technique pour mettre en scène les scènes d’action et d’horreur. Le film bénéficie d’une bonne photographie, d’un montage rythmé et d’effets spéciaux réussis. Les maquillages des démons sont convaincants et les scènes gore sont généreuses en hémoglobine. Le film ne lésine pas sur la violence et le sadisme, ce qui ravira les fans de la saga.

Mais le film pèche par son manque de personnalité et de style. Il n’a pas la folie ni l’humour des films de Sam Raimi, qui jouaient avec les codes du genre et mélangeaient habilement horreur et comédie. Il n’a pas non plus l’intensité ni la tension du remake de 2013, qui optait pour un ton plus sombre et réaliste. Il se situe entre les deux, sans trouver sa propre voix ni son propre ton. Il se contente d’être un divertissement efficace mais sans âme.

Des actrices convaincantes mais des personnages peu attachants

Le point fort du film réside dans le jeu des actrices principales, Alyssa Sutherland et Lily Sullivan, qui incarnent respectivement Jessica et Beth. Elles parviennent à donner de la crédibilité et de l’émotion à leurs personnages, malgré un scénario peu développé. Elles expriment bien la détresse, la peur et la détermination de ces deux sœurs qui doivent affronter l’enfer. Elles ont également une bonne alchimie à l’écran et font passer la relation complexe entre ces deux femmes que tout oppose.

Mais le film ne leur donne pas assez de profondeur ni de nuances. Leurs personnages sont assez stéréotypés et manquent de charisme. On ne s’attache pas vraiment à elles ni à leur sort.

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Son histoire rocambolesque et passionnante est racontée dans le film Tetris, réalisé par Jon S. Baird et disponible sur Apple TV+.

Un film captivant et divertissant



Tetris est un film qui mêle habilement drame, humour et suspense. Il nous plonge dans les années 1980, à l’époque de la guerre froide et des débuts de l’informatique. Le film suit le parcours de Henk Rogers, interprété avec brio par Taron Egerton, qui découvre le jeu Tetris lors d’un salon à Las Vegas et tombe sous son charme. Convaincu du potentiel du jeu, il décide de se rendre en URSS pour négocier les droits d’exploitation du jeu pour les consoles Nintendo. Il se retrouve alors confronté à une série d’obstacles et de rivaux, dont le magnat de la presse Robert Maxwell (Roger Allam), l’escroc Robert Stein (Toby Jones) et les agents du KGB.

Voici la bande-annonce de ce film :

Il noue également une amitié sincère avec le créateur du jeu, Alexey Pajitnov (Nikita Efremov), qui ne touche aucun bénéfice de son invention. Le film est rythmé par des scènes d’action, de négociation et de trahison, qui tiennent le spectateur en haleine. Il est aussi parsemé de touches d’humour et de nostalgie, avec des références à la culture pop des années 1980 et des animations en pixels qui illustrent les chapitres du film. Le film rend hommage à la créativité et à la passion des pionniers du jeu vidéo, tout en dénonçant les dérives du capitalisme et du communisme.



Une histoire vraie romancée



Tetris est basé sur une histoire vraie, mais il prend certaines libertés avec les faits réels. Par exemple, le film présente Henk Rogers comme le seul à avoir eu l’idée de porter Tetris sur la Game Boy de Nintendo, alors qu’en réalité, il y avait d’autres candidats en lice. Le film simplifie aussi les relations entre les différents acteurs impliqués dans la bataille juridique pour les droits du jeu, qui étaient beaucoup plus complexes et confuses que ce que le film laisse entendre. Le film ajoute également des éléments fictifs pour augmenter le suspense et le drame, comme une course-poursuite en voiture ou une tentative d’assassinat.



Cependant, le film respecte l’essentiel de la vérité historique et s’appuie sur des sources documentaires solides, comme le livre The Tetris Effect: The Game that Hypnotized the World de Dan Ackerman ou le documentaire Ecstasy of Order: The Tetris Masters de Adam Cornelius. Le film reconstitue fidèlement l’ambiance et les décors de l’époque, grâce à un travail minutieux sur les costumes, les accessoires et les lieux de tournage. Le film bénéficie aussi du soutien et du témoignage des véritables protagonistes de l’histoire, comme Henk Rogers ou Alexey Pajitnov, qui ont approuvé le scénario et participé à la promotion du film.

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En vedette dans le dernier film du cinéaste juif Darren Aronofsky, The Whale, Fraser incarne un homme souffrant d’obésité morbide qui tente de réparer sa relation avec sa fille adolescente dont il est séparé.

Le professeur d’anglais reclus Charlie (Fraser) a passé des années caché du monde, avec Liz (jouée à la perfection par la star de The Menu Hong Chau), son infirmière, meilleure amie, la seule personne autorisée à entrer dans sa vie.

La vie assez surprenante d’une personne

Ne voulant pas quitter sa maison, Charlie enseigne des cours d’écriture universitaires en ligne, mais garde sa webcam éteinte. Alors que la santé de Charlie se détériore, sa paix est un jour troublée par Thomas, un jeune missionnaire chrétien qui veut sauver son âme.

Voici une vidéo présentant la bande-annonce de ce film :

S’il est indéniable que Fraser réalise une excellente performance, on ne peut pas en dire autant de l’exécution d’Aronofsky. Le réalisateur de Back Swan and Mother ! livre une adaptation trop sentimentale et parfois mal jugée de la pièce du même nom de Samuel D. Hunter en 2012.

Ce qui se passe après le coronavirus

La baleine a une sensation post-Covid distincte, à une époque où les productions devaient être plus petites pour voir le jour, mais toute personne habituée à la production antérieure et plus élaborée d’Aronofsky est sûre de lutter avec elle.

Le film est néanmoins sauvé par une autre performance exceptionnelle de la brillante Samantha Morton, qui joue ici le rôle de Mary, l’ex-femme de Charlie, qui souffre depuis longtemps et qui boit beaucoup.

Lors de sa première diffusion à la Mostra de Venise, The Whale a reçu une standing ovation de cinq minutes. Je soupçonne que la plupart de ces applaudissements visaient la performance magistrale de Fraser plutôt que cette offre terne d’un réalisateur qui est certainement capable de choses beaucoup plus difficiles. Ce film est vraiment impressionnant. Après le coronavirus, personne n’a pensé à l’obésité. Et pourtant, cette situation a été particulièrement difficile pour certains ménages. Ainsi, dans ce film, la vie des gens dans une situation compliquée est mise en avant. Cela relate en outre la vie d’un personnage qui a tendance à s’éloigner de la société et qui cherche en outre à trouver du confort dans la nourriture. Cela ne fait qu’aggraver sa situation.

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Le film de Coogler est devenu l’une des toutes premières adaptations de bandes dessinées à présenter une distribution à prédominance noire et devait être la première d’une longue franchise pour Boseman et ses compagnons de casting.

Une suite du film qui a marqué une génération

Les plans pour une suite ont cependant changé lorsque Boseman est malheureusement décédé d’un cancer du côlon deux ans plus tard, laissant les fans de MCU le cœur brisé. Marvel ayant choisi de ne pas refondre le rôle de Boseman, il incombait à Coogler et au co-scénariste Joe Robert Cole de réfléchir aux moyens d’incorporer un tout nouveau scénario. Le résultat est tout simplement l’une des meilleures incarnations de MCU à ce jour.

Voici la bande-annonce de ce film :

Après la mort de T’Challa, le royaume de Wakanda fait face à un nouveau danger d’un adversaire inconnu et très puissant. La reine Ramonda (Angela Bassett) ; Shuri (Letitia Wright) et ses alliés se battent pour protéger leur nation.

Alors que les Wakandans se préparent à embrasser leur prochain chapitre, Shuri doit trouver la force dans le chagrin pour mener son peuple à la victoire et au-delà. Mais pourra-t-elle vaincre la puissante Namor (Tenoch Huerta, brillante) avant qu’il ne soit trop tard ?

Un film qui se démarque par son histoire très riche

Après une série de sorties décevantes au cours des deux dernières années, Eternals et Doctor Strange dans le multivers de la folie viennent à l’esprit, il est vraiment rafraîchissant de voir un nouveau film MCU qui parvient sans effort à rester fidèle à la philosophie de la franchise originale. Coogler nous propose un film qui n’a pas peur d’essayer de nouvelles choses, emmenant l’histoire dans de nouveaux territoires passionnants et inexplorés.

C’est avant tout un film sur le fait d’affronter le deuil de front. Black Panther : Wakanda Forever agit comme un hommage approprié à son héros déchu tout en permettant à ceux qui l’aimaient d’accepter sa mort avec dignité et respect.

Le film est élevé par des performances vraiment magnifiques de tous, mais c’est Wright qui porte ce chapitre du début à la fin avec équilibre et maturité. D’ailleurs, lorsque vous regardez la bande-annonce, vous pouvez remarquer la suite d’un film mettant à l’honneur tout le savoir-faire du réalisateur.

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