Alors que tout le monde aura besoin de compétences différentes en fonction du poste qu’il aimerait occuper sur le plateau, pour les cinéastes, il y a plusieurs compétences que tous, des réalisateurs aux monteurs, doivent avoir. Heureusement, en raison du développement de cette industrie, il existe de nombreuses écoles pour se former aux métiers du cinéma à paris.

Une expertise technologique, ou à tout le moins, une compréhension pratique très solide des dernières technologies

Pour percer dans cette industrie, vous devez vous rendre inestimable. En tant que cinéaste, cela signifie avoir l’expérience technique nécessaire pour bien faire son travail et le faire bien. Même si vous n’avez pas besoin d’être un expert, il est important de savoir au moins à quoi ressemble un bon plan et comment y parvenir. Tant que vous savez ce que vous devez faire, vous apprendrez facilement comment le faire.

En tant que cinéaste, il est impératif d’avoir une compréhension technique de chaque élément du processus de réalisation d’un film, cela comprend le son, les effets spéciaux, la conception, les processus de post-production… Tout cela est presque impossible à apprendre par vous-même, mais avec les bonnes ressources et une expérience pratique suffisante, vous pouvez vous préparer à tous les aspects techniques de la réalisation de films.

La créativité, une qualité essentielle à avoir

Il est impossible de faire des films sans créativité, et vous ne pouvez pas prétendre être un cinéaste créatif si vous n’avez pas investi du temps dans la compréhension des techniques adoptées par les experts. En tant que cinéaste, que vous souhaitez travailler en tant que réalisateur, producteur, coordinateur de post-production ou autre, vous avez besoin d’un talent créatif.

Du début à la fin, la réalisation de films nécessite une vision de la part de toutes les personnes impliquées dans le processus. Tout le monde alimente les idées d’un film, et peu importe ce dans quoi vous espérez vous spécialiser, vous devez être prêt à contribuer à la création.

La narration écrite et visuelle

Même si les cinéastes peuvent passer des heures, des mois, voire des années à réaliser un film, il n’y a aucun moyen de le faire, sans les compétences nécessaires pour la narration visuelle et écrite. Même si tout le monde n’est pas un génie créatif et qu’il ne soit pas capable d’écrire les meilleurs scripts, tous peuvent développer les compétences nécessaires pour comprendre, rédiger, évaluer et analyser des histoires.

Même si vous n’aurez aucun rôle dans l’écriture d’un scénario ou la création de visuels artistiques, en tant que cinéaste, vous devrez comprendre l’histoire que vous essayez de représenter.

Des compétences en leadership

Quel que soit le rôle que vous jouez, vous devez être en mesure d’assumer la responsabilité de toutes les tâches requises par votre poste.

Le cinéma n’est pas simple ; vous rencontrerez des problèmes que vous ne saurez pas résoudre. Lorsque cela se produit, vous devrez être capable de trouver une solution rapide et décisive soit en vous entourant des bonnes personnes, en faisant preuve d’audace et de créativité et surtout en pensant « Outside the box ».

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Les acteurs australiens acclamés Anthony LaPaglia (Alors j’ai épousé un meurtrier à la hache, Empire Records, Sans trace), Essie Davis (The Babadook), qui est mariée à Kurzel, et Judy Davis également vedette, tandis que l’écrivain Shaun Grant livre un courageux et réfléchi louable, scénario provoquant.

Un film basé sur un fait réel

Jones est Nitram, basé sur le tireur de masse notoire Martin Bryant, un jeune homme intellectuellement déficient vivant avec ses parents (LaPaglia et Julie Davis) à Port Arthur, en Tasmanie, au milieu des années 1990. Après avoir obtenu un prêt commercial, le père de Nitram espère acheter une entreprise locale de chambres d’hôtes et démarrer une nouvelle entreprise impliquant toute la famille.

Voici la bande-annonce de ce film en anglais :

Après avoir supplié sa mère de lui acheter une planche de surf en vain, Nitram décide de proposer ses services de coupe-gazon dans l’espoir de gagner son propre argent. Le jeune homme noue bientôt une amitié profonde avec une riche voisine d’âge moyen nommée Helen (Essie David) qui l’engage pour promener ses chiens. Lorsque la tragédie frappe, Nitran se retrouve à nouveau seul et en colère contre le monde. Pour aggraver les choses, son père est surenchéri pour le b & b par un jeune couple, laissant toute la famille incertaine de ce qu’il faut faire ensuite.

Un film très percutant

Le film de Kurzel parvient à être percutant et techniquement solide tout en évitant les tropes que l’on trouve habituellement dans des productions à thème similaire. Lui et le scénariste Shaun Grant livrent un traitement sobre de cette histoire choquante, qui est magnifiquement interprétée par le casting. Bien qu’ils n’exonèrent jamais Nitram, il est indéniable que l’on ressent presque une sorte de sympathie pour le jeune homme et ses difficultés.

Dans l’ensemble, il s’agit d’un récit pondéré d’un événement choquant. Il met en évidence l’augmentation continue de la possession d’armes à feu en Australie à la fin du film. Kurzel ne semble cependant jamais faire explicitement un plaidoyer pertinent pour ou contre, ce qui est finalement un peu alarmant pour un réalisateur qui a une fois de plus fait un film du point de vue d’un meurtrier de masse.

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Avec Benedict Cumberbatch (The Imitation Game, The Power of The Dog), Doctor Strange in the Multiverse of Madness, pour donner son nom complet, est le 28e film de l’univers cinématographique Marvel et est à nouveau produit par Kevin Feig. Le film est écrit par Michael Waldron et voit le retour des favoris du MCU Elizabeth Olsen, Chiwetel Ejiofor et Benedict Wong. Xochitl Gomez et Rachel McAdams jouent également.

Un scénario bien particulier

Quelques mois après les événements de Spider-Man : No Way Home (2021), le Dr Stephen Strange (Cumberbatch) se retrouve aux prises avec un nouvel et puissant adversaire. Se liant d’amitié avec l’Amérique (Xochitl Gomez), un adolescent doué avec la capacité magique d’ouvrir des portails dans des mondes parallèles, Strange doit trouver un moyen d’empêcher un vieil ami et allié de modifier le destin de l’univers tel que nous le connaissons et de ramener la paix dans le sien.

Voici la bande-annonce de ce film en anglais :

Raimi offre une deuxième sortie cinématographique engageante, rapide et résolument ludique pour l’un des personnages de bande dessinée les plus appréciés de Stan Lee. Le réalisateur acclamé nous a donné une interprétation qui est souvent une horreur sanglante plus étrange que le fourrage habituel des super-héros que nous attendons de cette franchise extrêmement populaire. Bien qu’indéniablement décousu et plus qu’un peu « là-bas » tonalement, il y a quelque chose d’assez attachant dans le film de Raimi.

De grands changements

C’est une production qui n’a pas peur de défier la formule éprouvée du MCU de la manière la plus scandaleuse. En prenant cette dernière aventure dans une toute nouvelle direction, Raimi risque évidemment d’aliéner ceux qui ont grandi dans la franchise, mais cela ne veut pas dire que ce qu’il apporte à la table n’est pas beaucoup plus excitant sinon exactement très cohérent.

Élevé par de formidables performances grâce à Cumberbatch, Chavez et Olsen, Doctor Strange in the Multiverse of Madness reste l’un des films les moins conventionnels de la série et indéniablement le plus facilement sympathique. À condition que l’on ignore certaines de ses bouffonneries les plus idiotes et de ses dialogues maladroits, il s’agit d’une nouvelle aventure vraiment passionnante. Les fans vont probablement s’attendre à voir une production avec des effets spéciaux surprenants. Certes, ce n’est pas toujours le cas ici, car tout a été focalisé sur le scénario, mais il y en aura probablement quelques-uns.

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Tout ce qui tient ensemble l’unité familiale malade de Vic (Affleck) et Melinda (de Armas) Van Allens, y compris sa fille Trixie, est un arrangement qui permet à Melinda d’avoir des aventures, tant qu’elle ne demande pas le divorce.

Un scénario qui captive du début à la fin

Pendant ce temps, bien qu’il ait rassuré tout le monde autour de lui sur le fait qu’il n’avait pas un os jaloux dans son corps, Vic en a assez des badinages extraconjugaux de Melinda et exige qu’elle arrête de l’humilier. Lorsque le dernier amant de sa femme disparaît, Vic est accusé par sa voisine (Tracy Letts, toujours aussi sublime) d’avoir assassiné le jeune homme.

Voici une vidéo en anglais montrant la bande-annonce de ce film :

Peu de temps après, le prochain amant de Melinda se noie lors d’une fête à laquelle Vic assiste et les doigts recommencent à pointer vers son mari. Mais l’a-t-il vraiment fait ou est-il victime d’un coup monté ?

Un film réalisé de manière plutôt originale

Il y a quelque chose de démodé dans le film de Lyne. Bien que nous soyons de nouveau sur le territoire du thriller érotique qui a fait sa carrière, Deep Water ressemble presque à une anomalie dans un monde où la dynamique de couple a dépassé les tropes femme/homme riche.

Pourtant, Helm et Levison livrent un thriller mystérieux très engageant, juste déçu par un ton légèrement mal jugé. Lyne n’a peut-être pas retrouvé ses jours de gloire ici, mais il nous a donné un thriller mystérieux dans lequel nous pouvons tous nous mordre les dents. Difficile de passer à côté d’une telle performance proposée par Ben Affleck. Dans ce film, la star est vraiment méconnaissable et a vraiment su se mettre dans son personnage. Du début jusqu’à la fin, les téléspectateurs sont vraiment captivés par l’histoire racontée. Lyne a parfaitement réalisé ce film, malgré quelques critiques qui semblent être fondées. Ce roman adapté marque le retour d’Adrian Lyne au cinéma, et il n’a pas ménagé ses efforts afin de proposer un film unique.

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Loin du précédent documentaire de Spinney et Middleton, Notes sur la cécité de 2016, l’histoire de l’écrivain John Hull perdant la vue, le film est une introduction remarquable pour ceux qui ne connaissent que vaguement Chaplin et sa production. Comme le titre l’indique, il tente d’aller derrière le clochard, le vagabond portant un chapeau melon avec cette moustache trop familière qui est devenue son personnage à l’écran. Son personnage de Tramp est vraiment un moyen pour lui de voyager dans son passé, suggère Spinney. Freud a dit à propos de Chaplin qu’il est destiné à revisiter les humiliations de son enfance.

La vie de Charlie Chaplin

Retraçant son chemin depuis son éducation dans la pauvreté à Lambeth à Londres, le film postule que Chaplin est devenu la première célébrité mondiale. Il est apparu pour la première fois à l’écran en 1914, explique Spinney. Mais ce n’est vraiment qu’une ombre de la renommée qu’il a connue de son vivant. Et un type de célébrité qui a vraiment commencé avec lui. Avant Chaplin, les gens n’avaient jamais été célèbres de cette façon particulière. Lorsqu’il fait ses premiers pas à l’écran, les films commencent tout juste à se répandre dans le monde. En 1916, ses films sont régulièrement regardés par des centaines de millions de personnes sur différents continents.

Voici une vidéo en anglais parlant de ces faits :

Il cite le jour, en 1921, où Chaplin est revenu à Londres, et il est accueilli par des dizaines de milliers de sympathisants. Les journaux estimaient qu’il y aurait plus de monde dans la rue pour le saluer que le jour de l’Armistice. La déconnexion psychologique qu’il a dû ressentir est vraiment frappante.

Une popularité indéniable

À ce jour, Chaplin avait cofondé le studio hollywoodien United Artists, lui donnant un contrôle total sur des films bien-aimés tels que The Kid (1921) et The Gold Rush (1925). Pourtant, ce n’est qu’une partie de The Real Charlie Chaplin, qui fait un excellent travail en montrant comment la vie de Chaplin s’est déroulée parallèlement à certains des plus grands événements de l’histoire mondiale du XXe siècle. La Grande Dépression, par exemple, est commentée dans Les Temps Modernes (1935), un film sur la mécanisation accrue. Mais c’est peut-être la Seconde Guerre mondiale qui est venue le définir.

Pendant des années, Chaplin avait été considéré comme juif, soit par les antisémites, soit par les juifs eux-mêmes. Chaplin était réticent à corriger l’hypothèse populaire selon laquelle il était juif, car il pensait que cela ferait le jeu de l’antisémitisme, explique Spinney. « Quand il l’a finalement fait, il a dit : Je n’ai pas cet honneur ». C’est un paria errant, toujours contraint de quitter son emploi, traqué par les autorités, déraciné et exilé, ajoute Spinney.

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Bien que le spectacle ne débute à Broadway que le 27 septembre 1957, ses origines remontent à la fin des années 40, et une discussion que Jerome Robbins (né Jerome Wilson Rabinowitz), l’estimé réalisateur, chorégraphe et producteur de Broadway, a eu avec son amant, le l’acteur Montgomery Clift, qui pesait une offre pour jouer le rôle de Roméo. La star hollywoodienne a déclaré que le personnage se sentait très passif et qu’il craignait de ne pas pouvoir lui donner vie. Que devrait-il faire ? Après y avoir réfléchi, Robbins lui a conseillé de considérer Roméo comme un homme moderne et a comparé la rage et le ressentiment qui alimentaient la querelle familiale dans Roméo et Juliette à ceux qui conduisaient aux hostilités entre juifs et catholiques.

L’idée a allumé un feu dans l’imagination de Robbins

En 1949, il contacta l’écrivain Arthur Laurents (né Levine) et le compositeur Leonard Bernstein pour discuter de la mise à jour du conte du Barde, dans lequel la religion remplacerait les liens du sang, et l’action serait déplacée de l’Italie de la Renaissance aux rues de Lower East Side de New York, pendant la Pâque et Pâques.

Voici le résumé de ce film en anglais :

Dans le scénario de Laurents, provisoirement intitulé East Side Story, Roméo a été transformé en un catholique italien tandis que Juliette est devenue une immigrante juive récente et une survivante de l’Holocauste. Ensemble, ils dépassent les divisions religieuses et dépassent les tensions qui déclenchent la violence des gangs dans les rues.

Un script revu plusieurs fois

Le script a traversé de nombreuses ébauches, mais il ne pouvait pas fonctionner de manière fraîche et contemporaine. La percée a eu lieu en 1955 lorsque Laurents et Bernstein se sont retrouvés tous les deux à l’hôtel Beverly Hills à Los Angeles alors qu’ils travaillaient sur des projets indépendants.

Un jour, alors qu’ils tiraient sur la brise au bord de la piscine, un titre de journal sur la violence des gangs de jeunes chicanos a attiré leur attention. Ils ont commencé à penser à la comédie musicale qui avait échappé à leur créativité et ont commencé à jouer avec l’idée d’utiliser de la musique latine dans le spectacle. Ici, pensaient-ils, c’était un moyen de faire revivre le concept de Robbins d’une manière qui lui donnerait l’impression d’être véritablement dans l’air du temps. La dimension juive a été supprimée, et les gangs des Sharks et des Jets qui apportent la tragédie dans la vie des jeunes amants de l’histoire, Tony et Maria, sont devenus respectivement portoricains et blancs.

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Adaptée par Tony Kushner (Munich, Lincoln) de la pièce de théâtre d’Arthur Laurents en 1961, cette nouvelle incarnation met en vedette la star du Chardonneret Ansel Elgort, la nouvelle venue Rachel Zegler et un autre tour digne d’un Oscar grâce à la doyenne de Broadway Rita Moreno qui a également joué dans la production originale.

Des changements majeurs pour apporter une touche de modernité

Cette tournure moderne de la tragédie shakespearienne de Roméo et Juliette nécessite très peu d’introduction. L’histoire tourne autour de deux groupes de gangs de rue qui se battent dans les rues de l’Upper West Side à New York dans les années 1950. Les Jets, un gang blanc dirigé par Riff (Mike Faist, brillant), se battent avec les Sharks, un groupe d’immigrants portoricains dirigé par Bernardo (David Alvarez) pour savoir à qui appartiennent réellement les rues.

Voici la bande-annonce de ce film en anglais :

Les choses prennent une tournure tragique lorsque Tony (Elgort), un ancien membre des Jets tombe éperdument guéri avec Maria (Zegler), la sœur cadette de Bernardo. Alors que les amants décident de garder leur relation secrète, une bagarre nocturne entre les gangs rivaux aboutit à la mort prématurée de deux membres du gang. Pendant ce temps, Rita Moreno est la sage propriétaire d’une épicerie portoricaine mariée à un homme blanc, qui fait de son mieux pour répandre la paix entre les factions belligérantes.

Une comédie musicale très originale

Spielberg l’a bel et bien fait sortir du parc avec cette comédie musicale ingénieuse et magnifiquement interprétée. En ajoutant quelques touches modernes à cette histoire d’amour classique, il nous a offert une production visuellement époustouflante qui rend plus que justice aux numéros intemporels de Leonard Bernstein et à la chorégraphie saisissante de Jerome Robbins.

Il faut donner des accessoires à celui qui a eu l’idée vraiment géniale de renoncer aux sous-titres anglais pour le dialogue espagnol qui constitue près de la moitié du film, prouvant une fois de plus que Spielberg est toujours en avance et avec son doigt fermement sur le pouls de changer les perceptions socio-politiques.

C’est une adaptation qui connaît sa place dans le monde et exactement ce qu’on en attend. Bien que les chiffres soient incontestablement familiers, le film de Spielberg a un ton résolument multiculturel sensible. De plus, le légendaire scénariste/ réalisateur doit être félicité pour avoir injecté un peu de réalisme avec une distribution inspirée.

Des acteurs exceptionnels

Elgort donne une performance robuste en tant que Tony à la voix douce tandis que Zegler fait des débuts vraiment impressionnants en tant que Maria. C’est cependant Mike Faist dans le rôle de Riff qui impressionne le plus avec une performance époustouflante et accomplie dans un rôle qu’il s’est bel et bien fait sien. Ailleurs, la star de Hamilton, Ariana DeBose, réalise le meilleur tour de sa carrière en tant qu’Anita, un rôle pour lequel Moreno a remporté un Oscar.

Il a peut-être fallu neuf années entières à Spielberg et à son équipe de production pour lancer ce projet, mais il est juste de dire que cela valait plus que la peine d’attendre. Il s’agit d’un film vivant, bien joué et, plus important encore, d’une production véritablement inclusive. Simplement renversant.

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Lorsque les juges ont rendu leur verdict, ils ont condamné 19 des accusés et en ont acquitté trois. Il y avait une soif de justice, et 12 procès de successeurs alliés, de médecins, d’enseignants, de chefs d’escadrons de la mort, ont suivi dans le but de montrer comment une nation civilisée s’était laissée aller à la barbarie en tolérant, acceptant et soutenant des atrocités inimaginables.

Une histoire assez surprenante

À la fin des années 1950, tous ceux qui purgeaient une peine de condamnation dans ces dizaines de procès avaient été libérés et autorisés à se réintégrer dans la société. Même avant cette injustice, les procès de Nuremberg, et d’autres procès qui avaient eu lieu juste après la fin de la guerre, n’avaient fait qu’effleurer la surface des crimes commis par les nazis et leurs collaborateurs. Malgré une détermination avouée à rétablir l’état de droit et à conduire le monde vers un avenir où les dirigeants craignent les conséquences de leurs actes, la plupart des auteurs de l’Holocauste n’ont même jamais été interrogés, et encore moins condamnés.

Voici une vidéo en anglais parlant de la fuite des nazis après la guerre :

Selon Mary Fulbrook, professeur d’histoire allemande à l’University College London, sur les trois quarts à un million de personnes impliquées dans le meurtre de civils juifs, 99 % n’ont jamais été traduits en justice. Le nombre qui était était assez pathétique, dit-elle dans un nouveau documentaire majeur sorti aujourd’hui, Getting Away With Murder(s).

Le réalisateur du film s’est inspiré de cette histoire

Le réalisateur et infatigable moteur du film depuis 18 ans, David Wilkinson, est troublé par l’essoufflement de la quête de justice pour les Juifs après Nuremberg, et craint que le message qu’il envoie n’aide à ouvrir la voie à d’autres génocides, dans le de la même manière que l’inaction sur le génocide arménien avait enhardi Hitler.

Wilkinson, qui est mariée à la costumière primée de The Crown, Amy Roberts, n’est pas juive, mais a grandi à Leeds où il y avait une forte et réussie présence juive qui avait été alimentée en partie par des personnes fuyant la violence en Europe de l’Est. Il dit qu’il n’a vu aucun antisémitisme dans sa jeunesse, mais qu’il a été témoin de racisme à travers les expériences quotidiennes de son défunt frère, qui était noir. Dans le documentaire, alors que Wilkinson et Fulbrook regardent des Stolpersteines à l’extérieur d’une maison, des pavés en laiton gravés utilisés pour commémorer les victimes de l’Holocauste, ce dernier se demande ce que faisaient les personnes vivant à proximité lorsque leurs voisins innocents ont été saisis. Je ne discute pas de la scène avec le cinéaste, mais là, dans le bus, était sans doute la réponse : ils détournaient le regard.

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Sélectionné par la Slovaquie comme soumission officielle pour le meilleur long métrage international à la 85^e cérémonie des Oscars, le film est inspiré du livre d’Alfred Wetzler. Ce que Dante n’a pas vu et raconte l’histoire réelle d’une évasion audacieuse du tristement célèbre camp de concentration.

Un scénario bien écrit

Situé en avril 1944, Alfred Wetzler (Noel Czuczor) et Valér Vrba (Peter Ondrejicka) deux jeunes Juifs slovaques emprisonnés à Auschwitz se cachent dans une fosse sous un tas de bois et attendent une occasion de s’échapper. Prenant des notes sur le nombre de personnes dans les transports et les détails de l’opération inhumaine au camp, les hommes rédigent un rapport accablant qu’ils doivent faire passer clandestinement pour faire connaître au monde toute l’étendue des horreurs qui se déroulent.

Voici le résumé de ce film surprenant en anglais :

Après trois jours de cachette, le duo se lance dans une évasion audacieuse, faisant face à des difficultés incroyables et à des chances presque impossibles, traversant les montagnes jusqu’en Slovaquie, pour se rendre compte qu’une nouvelle épreuve est encore à venir. Ils doivent maintenant convaincre ceux qui ne veulent pas les croire que ce qu’ils ont vécu était réel.

Un drame bien réalisé par Bebjak

Le réalisateur Bebjak et ses co-scénaristes ont réalisé un drame férocement engageant, tendu et bien joué qui n’est jamais entravé par son petit budget. Ils livrent un film déchirant qui sert de témoignage durable honorant la mémoire de ceux qui ont été perdus dans les atrocités nazies.

Bien que la nature graphique du film le rende difficile à regarder, il est juste de dire que les images poignantes ne semblent jamais gratuites ou ajoutées pour tirer les cordes sensibles. De plus, le film réussit là où d’autres ont échoué en trouvant le juste équilibre entre le drame et la nécessité de raconter l’une des histoires les plus importantes de l’Holocauste. Ce film est très inspirant et peut nous faire voyager dans cette période vraiment sombre de l’histoire humaine. D’ailleurs, les acteurs qui ont participé à ce film n’ont pas manqué d’éloge cette réalisation unique relatant la vie des gens qui ont vécu dans ce camp.

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Quand vous cherchez à financer un film, explique le réalisateur britannique primé à plusieurs reprises, la première question que l’on vous posera est : Pourquoi faisons-nous cela maintenant ? En effet, quoi de plus opportun à l’ère de QAnon, des anti-vaccins et des attaques croissantes contre les faits de l’Holocauste sur les réseaux sociaux, qu’un film demandant pourquoi nous croyons ce que nous croyons ?

Une histoire très passionnante

Defonseca semblait être la vraie affaire lorsqu’elle s’est tenue à la bimah du temple Beth Torah, à Yom Shoah, et a révélé son passé. Les fidèles ont appris comment, en tant que fille juive de six ans à Bruxelles, elle avait été séparée de ses parents lorsqu’ils ont été déportés en Allemagne par les nazis. Accueillie par un couple catholique comme un enfant caché et rebaptisé Monique De Wael, elle aspirait à retrouver sa mère et son père.

Voici la bande-annonce en anglais de ce film :

Elle s’est enfuie et a parcouru l’Europe à leur recherche. En chemin, elle s’est liée d’amitié avec un loup et a ensuite trouvé un refuge temporaire parmi une meute entière. Les révélations à couper le souffle de Defonseca ont captivé ses voisins et amis, y compris un expert en loups, dans sa ville natale d’adoption de Millis, dans le Massachusetts.

Un scénario à part entière

La petite éditrice locale Jane Daniel considérait l’histoire de Misha comme une histoire « mythique » de bon enfant contre les méchants nazis, dit-elle dans le film, et a trouvé un moyen de rehausser le profil de sa jeune entreprise, Mt. Ivy Press. Au fil du temps, elle et la « communauté » ont persuadé le réticent Defonseca d’écrire un livre, paru en 1997 sous le titre Misha : A Memoir of the Holocaust Years.

Cela a attiré Disney et Oprah, mais au lieu de sauter sur les opportunités, Misha est devenue inexplicablement distante. Puis, à l’improviste, elle a poursuivi Daniel en justice pour des redevances impayées. Saisi par l’histoire de la survivante, le jury s’est prononcé à l’unanimité en sa faveur et elle a obtenu un règlement de 22,5 millions de dollars.

Humilié et souffrant du SSPT, Daniel a cherché un moyen de renverser le verdict. Parmi les papiers du tribunal, elle a trouvé un formulaire bancaire dans lequel Misha avait écrit son lieu de naissance et le nom de jeune fille de sa mère, des détails qu’elle prétendait ignorer dans ses mémoires. Quelque chose était louche.

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